Die Malerei ist sicherlich nach wie vor präsent – und ich glaube nicht, dass sie verschwinden wird –, doch Skulptur, Installation und Performance erobern in der internationalen Kunstszene immer mehr physischen und emotionalen Raum.

Man steht nicht mehr unbedingt vor einem Kunstwerk.

Man geht hindurch. Um es herum. Man hört es. Es bewegt sich. Es verändert sich. Manchmal wartet man darauf, dass es geschieht.

Und manchmal passiert es einem einfach.

Im belgischen Pavillon verwandelt Miet Warlops „IT NEVER SSST“ die Sprache selbst in physisches Material. Riesige Wörter aus Gips werden getragen, zwischen den Darstellern weitergereicht, geschleppt, zerbrochen und wieder zusammengesetzt, während sich Musiker und Tänzer durch den Raum bewegen.

Als ich das beobachtete, musste ich über die Entwicklung der Sprache nachdenken: wie wir Wörter erfinden, sie erben, missverstehen, zerstören und irgendwie immer weiter nach neuen Wegen der Kommunikation suchen.

Genau hier entfaltet die Performance ihre ganze Kraft. Man bekommt keine Erklärung einer Idee präsentiert.

Man sieht, wie die Idee Gestalt annimmt.

Dann kommt der Österreichische Pavillon, wo Florentina Holzingers „Seaworld Venice“ die Körperlichkeit auf eine neue Ebene hebt.


Pavillon der nordischen Länder – Finnland, Norwegen und Schweden. „How Many Angels Can Dance on the Head of a Pin?“ vereint surreale Skulpturen und Installationen von Klara Kristalova, Benjamin Orlow und Tori Wrånes und verwandelt den Pavillon in eine seltsame nordische Landschaft, in der menschliche, tierische und mythische Formen miteinander zu verschmelzen scheinen.

Wasser, Körper, Maschinen, Abfall und Technologie verschmelzen zu einem riesigen, beunruhigenden System. Und dann ist da noch die monumentale Glocke, die dem weiblichen Körper nachempfunden ist – ein Bild, das zugleich schön, seltsam und verstörend ist.

Das Werk konfrontiert uns mit unserem Verhältnis zu Wasser, Umweltverschmutzung, Natur und Technologie, lädt uns jedoch nicht höflich dazu ein, aus bequemer Distanz über Ökologie nachzudenken.

Es konfrontiert Sie damit in einem Ausmaß, das Sie einfach nicht ignorieren können.

Ein Umweltthema, das sonst vielleicht nur eine weitere Statistik wäre, erhält plötzlich Gewicht, Klang, Bewegung und einen menschlichen Körper.

Im US-Pavillon bieten Alma Allens großartige biomorphe Skulpturen eine andere Art der körperlichen Begegnung.

Venedig-Pavillon – „NOTE PERSISTENTI“ (Persistent Notes) mit dem italienischen Pianisten und Komponisten Dardust. Eine immersive musikalische Installation, in der Klavier, Klang, Schwingung, Wasser und Architektur zusammenkommen und die musikalische Identität und Erinnerung an Venedig in ein physisches Erlebnis verwandeln, das man hören, fühlen und erkunden kann.

Manche ragen so dramatisch durch die Räume empor, dass sie fast gegen die Decke zu drücken scheinen.

Bronze. Mexikanischer Onyx. Marmor. Quarzit. Travertin. Walnussholz.

Diese massiven, fast urzeitlichen Materialien wirken irgendwie lebendig. Bronze wird fast flüssig; Stein erscheint weich.

Und dann schenkt dir Japan ein Baby.

Im wahrsten Sinne des Wortes.

Im Japan-Pavillon lädt Ei Arakawa-Nashs Installation „Grass Babies, Moon Babies“ die Besucher dazu ein, eine von 208 Babypuppen durch die Ausstellung zu tragen, während die Geräusche der eigenen Zwillinge der Künstlerin den Raum erfüllen.

Man kann sogar die Windel seines Babys wechseln und dabei einen QR-Code entdecken, der zu einem Gedicht führt.

Es ist absurd, lustig, ein wenig unangenehm und unerwartet zärtlich – ein wunderbar verrücktes Baby-Erlebnis.

Doch dann geschieht etwas Faszinierendes. Die Menschen werden langsamer. Fremde lächeln einander an. Erwachsene verhalten sich instinktiv anders, einfach nur, weil sie etwas tragen, das wie ein Kind geformt ist.

Hinter dem Humor verbergen sich Fragen nach Fürsorge, Elternschaft, Verantwortung und dem, was eine Generation der nächsten hinterlässt.

Diese völlig unterschiedlichen Pavillons haben etwas Wichtiges gemeinsam.

Sie erfordern Ihre physische Anwesenheit.

Ein Foto kann zwar die Silhouette von Alma Allens Skulptur wiedergeben, aber nicht ihr Gewicht. Ein Video kann die Spannung einer Performance, die sich nur wenige Meter von dir entfernt entfaltet, nicht vollständig wiedergeben.

Eine Installation hat eine bestimmte Größe. Eine Skulptur hat Gewicht. Eine Performance hat Zeit.

Man muss vor Ort sein.

Und vielleicht ist das der Grund, warum es selbst in einer Zeit, in der fast jedes Kunstwerk in Venedig innerhalb von Sekunden auf unseren Handys erscheinen kann, wichtiger denn je ist, zu reisen, um Kunst persönlich zu erleben.

Julia Gurchenkova, MFA, ist Künstlerin, Kuratorin und visuelle Geschichtenerzählerin mit über 15 Jahren Erfahrung in der internationalen Kreativbranche. Als Gründerin von AAA und Sonderkorrespondentin für „The Portugal News“ untersucht sie, wie sich zeitgenössische Kunst zwischen Skulptur, Performance, Installation und neuen Erfahrungsformen bewegt.

Ihre Berichte aus Venedig finden Sie auf Instagram @uolja.

Bildunterschrift zum Hauptbild: Der Markusplatz nach dem Regen.