La pittura è certamente ancora presente — e non credo che scomparirà — ma la scultura, l’installazione e la performance stanno conquistando uno spazio sempre più ampio, sia dal punto di vista fisico che emotivo, sulla scena artistica internazionale.

Non è più necessario stare in piedi davanti a un'opera d'arte.

Ci si cammina in mezzo. Le si gira intorno. La si ascolta. Si muove. Cambia. A volte si aspetta che accada.

E a volte è a te che accade.

Al Padiglione belga, l’opera di Miet Warlop intitol ata IT NEVER SSST trasforma il linguaggio stesso in materia fisica. Enormi parole in gesso vengono trasportate, passate di mano in mano tra gli artisti, trascinate, spezzate e ricostruite mentre musicisti e ballerini si muovono nello spazio.

Guardando lo spettacolo, mi sono ritrovata a riflettere sull’evoluzione del linguaggio: su come inventiamo le parole, le ereditiamo, le fraintendiamo, le distruggiamo e, in qualche modo, continuiamo a cercare nuovi modi per comunicare.

È qui che la performance diventa così potente. Non ti viene fornita una spiegazione di un’idea.

Si assiste alla realizzazione dell’idea stessa.

Poi c’è il Padiglione austriaco, dove *Seaworld Venice* di Florentina Holzinger porta la fisicità a un altro livello.


Padiglione dei Paesi nordici — Finlandia, Norvegia e Svezia. *How Many Angels Can Dance on the Head of a Pin?* riunisce sculture e installazioni surreali di Klara Kristalova, Benjamin Orlow e Tori Wrånes, trasformando il padiglione in uno strano paesaggio nordico dove forme umane, animali e mitiche sembrano fondersi.

Acqua, corpi, macchinari, rifiuti e tecnologia diventano un unico, enorme e inquietante sistema. E poi c’è la campana monumentale ispirata al corpo femminile — un’immagine che è allo stesso tempo bella, strana e inquietante.

L’opera mette in discussione il nostro rapporto con l’acqua, l’inquinamento, la natura e la tecnologia, ma non ti invita gentilmente a riflettere sull’ecologia da una comoda distanza.

Ti mette di fronte a tutto questo su una scala che semplicemente non puoi ignorare.

Un tema ambientale che altrimenti rischierebbe di diventare solo un’altra statistica acquista improvvisamente peso, suono, movimento e un corpo umano.

Al Padiglione degli Stati Uniti, le magnifiche sculture biomorfiche di Alma Allen offrono un altro tipo di incontro fisico.

Padiglione di Venezia — NOTE PERSISTENTI (Persistent Notes), con il pianista e compositore italiano Dardust. Un’installazione musicale immersiva in cui pianoforte, suono, vibrazione, acqua e architettura si fondono, trasformando l’identità musicale e la memoria di Venezia in un’esperienza fisica da ascoltare, sentire ed esplorare.

Alcune si ergono così imponente attraverso le sale da sembrare quasi spingere contro il soffitto.

Bronzo. Onice messicano. Marmo. Quarzite. Travertino. Noce.

Questi materiali solidi, quasi primordiali, sembrano in qualche modo vivi. Il bronzo diventa quasi liquido; la pietra appare morbida.

E poi il Giappone ti regala un bambino.

Letteralmente.

Al Padiglione del Giappone, l’opera di Ei Arakawa-Nash “Grass Babies, Moon Babies” invita i visitatori a portare in braccio una delle 208 bamboline attraverso la mostra, mentre i suoni dei gemelli dell’artista stessa riempiono lo spazio.

Puoi persino cambiare il pannolino al tuo bambino e scoprire un codice QR che ti collega a una poesia.

È assurdo, divertente, un po’ scomodo e inaspettatamente tenero — un’esperienza con i bambini meravigliosamente folle.

Eppure accade qualcosa di affascinante. Le persone rallentano. Gli sconosciuti si scambiano sorrisi. Gli adulti si comportano istintivamente in modo diverso semplicemente perché stanno portando in braccio qualcosa che ha la forma di un bambino.

Dietro l’umorismo si celano questioni relative alla cura, alla genitorialità, alla responsabilità e a ciò che una generazione lascia in eredità a quella successiva.

Questi padiglioni, completamente diversi tra loro, hanno qualcosa di importante in comune.

Richiedono la tua presenza fisica.

Una fotografia può riprodurre la sagoma della scultura di Alma Allen, ma non può riprodurne il peso. Un video non può ricreare interamente la tensione di una performance che si svolge a pochi metri da te.

L’installazione ha una scala. La scultura ha un peso. La performance ha il tempo.

Devi esserci di persona.

E forse è per questo che, anche in un’epoca in cui quasi ogni opera d’arte a Venezia può apparire sui nostri telefoni in pochi secondi, viaggiare per vivere l’arte di persona è più importante che mai.

Julia Gurchenkova, laureata in Belle Arti (MFA), è un’artista, curatrice e narratrice visiva con oltre 15 anni di esperienza nel settore creativo internazionale. Fondatrice di AAA e corrispondente speciale per The Portugal News, esplora il modo in cui l’arte contemporanea si muove tra scultura, performance, installazione e nuove forme di esperienza.

Guarda i suoi reportage su Venezia su Instagram @uolja.

Didascalia dell’immagine principale: Piazza San Marco dopo la pioggia.