A pintura continua, sem dúvida, presente — e não creio que vá desaparecer —, mas a escultura, a instalação e a performance estão a conquistar cada vez mais espaço, tanto físico como emocional, no panorama artístico internacional.

Já não é necessário ficar necessariamente em frente a uma obra de arte.

Atravessa-a. Contorna-a. Ouve-a. Ela move-se. Ela muda. Às vezes, espera que isso aconteça.

E, por vezes, é a si que isso acontece.

No Pavilhão da Bélgica, a obra «IT NEVER SSST», de Miet Warlop, transforma a própria linguagem em material físico. Enormes palavras em gesso são transportadas, passadas de um artista para outro, arrastadas, partidas e reconstruídas, enquanto músicos e bailarinos se movem pelo espaço.

Ao assistir a isto, dei por mim a pensar na evolução da linguagem: como inventamos palavras, as herdamos, as interpretamos mal, as destruímos e, de alguma forma, continuamos à procura de novas formas de comunicar.

É aqui que a performance se torna tão poderosa. Não te está a ser dada uma explicação de uma ideia.

Estás a ver a ideia a acontecer.

Segue-se o Pavilhão da Áustria, onde «Seaworld Venice», de Florentina Holzinger, eleva a fisicalidade a outro nível.


Pavilhão dos Países Nórdicos — Finlândia, Noruega e Suécia. «How Many Angels Can Dance on the Head of a Pin?» reúne esculturas e instalações surreais de Klara Kristalova, Benjamin Orlow e Tori Wrånes, transformando o pavilhão numa estranha paisagem nórdica onde formas humanas, animais e míticas parecem fundir-se.

Água, corpos, maquinaria, resíduos e tecnologia tornam-se um único sistema enorme e inquietante. E depois há o sino monumental inspirado no corpo feminino — uma imagem que é bela, estranha e perturbadora ao mesmo tempo.

A obra confronta a nossa relação com a água, a poluição, a natureza e a tecnologia, mas não nos convida educadamente a refletir sobre a ecologia a partir de uma distância confortável.

Confronta-o com isso numa escala que simplesmente não pode ignorar.

Um tema ambiental que, de outra forma, poderia tornar-se mais uma estatística, ganha subitamente peso, som, movimento e um corpo humano.

No Pavilhão dos Estados Unidos, as magníficas esculturas biomórficas de Alma Allen oferecem outro tipo de encontro físico.

Pavilhão de Veneza — NOTE PERSISTENTI (Notas Persistentes), com o pianista e compositor italiano Dardust. Uma instalação musical imersiva onde o piano, o som, a vibração, a água e a arquitetura se unem, transformando a identidade musical e a memória de Veneza numa experiência física para ser ouvida, sentida e explorada.

Algumas erguem-se de forma tão dramática pelas salas que parecem quase empurrar o teto.

Bronze. Ônix mexicano. Mármore. Quartzito. Travertino. Nogueira.

Estes materiais substanciais, quase primordiais, parecem, de alguma forma, vivos. O bronze torna-se quase líquido; a pedra parece macia.

E depois o Japão oferece-te um bebé.

Literalmente.

No Pavilhão do Japão, a obra «Grass Babies, Moon Babies», de Ei Arakawa-Nash, convida os visitantes a transportar uma das 208 bonecas-bebé pela exposição, enquanto os sons dos próprios gémeos da artista enchem o espaço.

Podes até mudar a fralda do teu bebé e descobrir um código QR que te leva a um poema.

É absurdo, engraçado, um pouco desconfortável e inesperadamente terno — uma experiência maravilhosamente louca com bebés.

No entanto, acontece algo fascinante. As pessoas abrandam o ritmo. Estranhos sorriem uns para os outros. Os adultos comportam-se instintivamente de forma diferente, simplesmente porque estão a carregar algo com a forma de uma criança.

Por detrás do humor estão questões relacionadas com o cuidado, a parentalidade, a responsabilidade e o que uma geração deixa para a outra.

Estes pavilhões completamente diferentes partilham algo importante.

Exigem a sua presença física.

Uma fotografia pode reproduzir a silhueta da escultura de Alma Allen, mas não consegue reproduzir o seu peso. Um vídeo não consegue recriar inteiramente a tensão de uma performance que se desenrola a metros de distância de ti.

A instalação tem escala. A escultura tem peso. A performance tem tempo.

Tens de estar lá.

E talvez seja por isso que, mesmo numa época em que quase todas as obras de arte em Veneza podem aparecer nos nossos telemóveis em segundos, viajar para vivenciar a arte pessoalmente é mais importante do que nunca.

Julia Gurchenkova, mestre em Belas Artes, é artista, curadora e contadora de histórias visuais com mais de 15 anos de experiência nas indústrias criativas internacionais. Fundadora da AAA e correspondente especial do The Portugal News, ela explora a forma como a arte contemporânea se move entre a escultura, a performance, a instalação e novas formas de experiência.

Veja as suas reportagens sobre Veneza no Instagram @uolja.

Legenda da imagem principal: Praça de São Marcos após a chuva.