La peinture est certes toujours présente — et je ne pense pas qu’elle soit près de disparaître —, mais la sculpture, l’installation et la performance occupent une place de plus en plus importante, tant sur le plan physique qu’émotionnel, sur la scène artistique internationale.

On ne se tient plus nécessairement devant une œuvre d’art.

On la traverse. On en fait le tour. On l’entend. Elle bouge. Elle change. Parfois, on attend que cela se produise.

Et parfois, c’est à vous que cela arrive.

Au Pavillon belge, l’œuvre IT NEVER SSST de Miet Warlop transforme le langage lui-même en matière physique. D’énormes mots en plâtre sont portés, se transmettent d’un performeur à l’autre, sont traînés, brisés et reconstruits tandis que musiciens et danseurs se déplacent dans l’espace.

En regardant cela, je me suis surprise à réfléchir à l’évolution du langage : comment nous inventons des mots, les héritons, les comprenons mal, les détruisons et continuons pourtant, d’une manière ou d’une autre, à chercher de nouvelles façons de communiquer.

C’est là que la performance prend toute sa puissance. On ne vous donne pas une explication d’une idée.

On assiste à la concrétisation de cette idée.

Vient ensuite le pavillon autrichien, où *Seaworld Venice* de Florentina Holzinger élève la physicalité à un autre niveau.


Pavillon des pays nordiques — Finlande, Norvège et Suède. «How Many Angels Can Dance on the Head of a Pin?» rassemble des sculptures et des installations surréalistes de Klara Kristalova, Benjamin Orlow et Tori Wrånes, transformant le pavillon en un étrange paysage nordique où les formes humaines, animales et mythiques semblent se confondre.

L’eau, les corps, les machines, les déchets et la technologie ne font plus qu’un, formant un système gigantesque et dérangeant. Et puis il y a cette cloche monumentale inspirée du corps féminin — une image à la fois belle, étrange et troublante.

L’œuvre nous confronte à notre rapport à l’eau, à la pollution, à la nature et à la technologie, mais elle ne vous invite pas poliment à réfléchir à l’écologie depuis une distance confortable.

Elle vous y confronte à une échelle que vous ne pouvez tout simplement pas ignorer.

Un sujet environnemental qui, autrement, risquerait de n’être qu’une statistique de plus, prend soudainement du poids, du son, du mouvement et une forme humaine.

Au pavillon des États-Unis, les magnifiques sculptures biomorphiques d’Alma Allen offrent une autre forme de rencontre physique.

Pavillon de Venise — NOTE PERSISTENTI (Notes persistantes), avec le pianiste et compositeur italien Dardust. Une installation musicale immersive où le piano, le son, les vibrations, l’eau et l’architecture se mêlent, transformant l’identité musicale et la mémoire de Venise en une expérience physique à écouter, à ressentir et à explorer.

Certaines s’élèvent de manière si spectaculaire dans les salles qu’elles semblent presque se heurter au plafond.

Bronze. Onyx mexicain. Marbre. Quartzite. Travertin. Noyer.

Ces matériaux massifs, presque primitifs, semblent en quelque sorte prendre vie. Le bronze devient presque liquide ; la pierre paraît douce.

Et puis le Japon vous offre un bébé.

Littéralement.

Au pavillon du Japon, l’œuvre d’Ei Arakawa-Nash , « Grass Babies, Moon Babies », invite les visiteurs à porter l’une des 208 poupées à travers l’exposition, tandis que les sons émis par les jumeaux de l’artiste elle-même résonnent dans l’espace.

Vous pouvez même changer la couche de votre bébé et découvrir un code QR qui vous redirige vers un poème.

C’est absurde, drôle, un peu gênant et étonnamment tendre — une expérience de bébé merveilleusement folle.

Et pourtant, il se passe quelque chose de fascinant. Les gens ralentissent le pas. Des inconnus s’échangent des sourires. Les adultes se comportent instinctivement différemment, simplement parce qu’ils portent quelque chose qui a la forme d’un enfant.

Derrière l’humour se cachent des questions sur les soins, la parentalité, la responsabilité et ce qu’une génération lègue à la suivante.

Ces pavillons, pourtant totalement différents, ont un point commun important.

Ils exigent votre présence physique.

Une photographie peut reproduire la silhouette de la sculpture d’Alma Allen, mais elle ne peut pas en reproduire le poids. Une vidéo ne peut pas recréer entièrement la tension d’une performance qui se déroule à quelques mètres de vous.

L’installation a une échelle. La sculpture a un poids. La performance a une durée.

Il faut être sur place.

Et c’est peut-être pour cela que, même à une époque où presque toutes les œuvres d’art de Venise peuvent s’afficher sur nos téléphones en quelques secondes, se déplacer pour découvrir l’art en personne revêt plus d’importance que jamais.

Julia Gurchenkova, titulaire d’un master en beaux-arts (MFA), est une artiste, commissaire d’exposition et conteuse visuelle qui compte plus de 15 ans d’expérience dans les industries créatives internationales. Fondatrice de AAA et correspondante spéciale pour The Portugal News, elle explore la manière dont l’art contemporain évolue entre la sculpture, la performance, l’installation et de nouvelles formes d’expérience.

Découvrez ses reportages sur Venise sur Instagram @uolja.

Légende de l'image principale : La place Saint-Marc après la pluie.